L'œuvre de Jean-Claude Carrière, riche de collaborations à travers le monde, souligne la conviction que les vérités les plus profondes du cinéma sont souvent chuchotées par l'image plutôt que déclarées par le dialogue. Ainsi, l'essence de l'élaboration d'un scénario qui s'appuie fortement sur la narration visuelle réside dans l'orchestration méticuleuse des symboles, l'éloquence des paysages et les moments intimes capturés entre les personnages.
En se concentrant sur le processus de développement d'une narration qui s'appuie fortement sur des éléments visuels avec un recours minimal aux dialogues, il faut approfondir les subtilités de la narration visuelle. La philosophie de Jean-Claude Carrière défend l'idée qu'une image peut transmettre des complexités que les mots auraient du mal à exprimer.
Cette approche de l'écriture de scénario est à la fois un art et une science, nécessitant une compréhension profonde du langage visuel et de la résonance émotionnelle des images.
Commencez par identifier les motifs visuels qui serviront d'éléments récurrents tout au long du récit. Il peut s'agir d'objets, de couleurs ou même de styles de lumières spécifiques qui symbolisent des thèmes ou des aspects importants du parcours de vos personnages. Par exemple, l'utilisation du rouge peut symboliser l'amour, le danger ou la passion, selon le contexte dans lequel il est utilisé.
Le motif devient un fil conducteur visuel qui lie le récit, oriente la réaction émotionnelle du lecteur/spectateur et sa compréhension de l'histoire.
Le silence
Le silence est un outil de la narration. Dans les scènes dépourvues de dialogue, l'absence peut amplifier l'intensité émotionnelle, rendant le lecteur/spectateur plus attentif aux indices visuels à l'écran. Le silence peut être utilisé pour renforcer la tension, souligner l'importance d'un moment ou mettre en évidence l'isolement ou la contemplation d'un personnage.
L'architecture du silence consiste à structurer les scènes de manière à ce que l'absence de dialogue renforce l'histoire au lieu de l'affaiblir.
La composition de chaque plan et le mouvement qui l'accompagne sont essentiels à la narration visuelle. La composition peut donner le ton, indiquer les relations entre les personnages ou même préfigurer des événements. Le mouvement, qu'il s'agisse du mouvement des personnages ou de la caméra elle-même, peut tout exprimer, du passage du temps à l'état intérieur d'un personnage. Une caméra lente et stable peut suggérer la stabilité ou la contemplation, tandis que des coupes rapides et des séquences comme un bougé en photographie peuvent évoquer le chaos ou la détresse.
INT. OBSERVATOIRE ABANDONNÉ - NUIT
Le clair de lune passe à travers les fissures des fenêtres
condamnées, éclairant les grains de poussière qui
tourbillonnent dans l'air rance. SOPHIA (la trentaine,
déterminée), vêtue d'un trench-coat usé, navigue dans la
pièce jonchée de débris, le faisceau d'une lampe de poche
traversant l'obscurité. Elle atteint un télescope pointé vers
un ciel parsemé d'étoiles, dont la lentille est embuée par
l'âge.
SOPHIA
(murmurant)
Ainsi, tu es là.
Elle examine le télescope, ses doigts effleurant le laiton
usé. Un coup de vent secoue la fenêtre brisée, faisant danser
des ombres dans la pièce.
INT. OBSERVATOIRE - JOUR - 10 ANS PLUS TÔT
Sophia, des années plus jeune, se tient à côté d'un
PROFESSEUR distingué (la soixantaine), tous deux regardant à
travers le télescope. La lumière du soleil traverse la
fenêtre transparente, les baignant de chaleur.
PROFESSEUR
(souriant)
Tu vois comment la lumière
s'enroule autour de cette galaxie
lointaine ? Imagine les secrets
qu'elle recèle.
Sophia acquiesce, les yeux écarquillés par l'émerveillement.
INT. OBSERVATOIRE ABANDONNÉ - NUIT
Sophia soupire, le souvenir s'estompe. Elle sort un petit
appareil de sa poche, dont l'écran affiche une carte complexe
des constellations. Elle aligne le télescope sur un point
précis de la carte, ses mains tremblant légèrement.
Un léger tintement rythmique se fait entendre à l'intérieur
du télescope.
Sophia se fige, ses yeux se rétrécissent. Elle regarde à
travers la lentille, l'obscurité au-delà refusant de livrer
ses secrets. Le rythme s'intensifie, devenant de plus en plus
fort à chaque battement.
Réfléchie dans sa pupille, une faible lumière tourbillonnante
scintille dans les profondeurs du télescope.
Sophia recule, la main tendue vers un pistolet caché sous son
manteau. Le cliquetis va crescendo, puis s'arrête
brusquement. Un moment de silence tendu.
Soudain, la lentille du télescope se brise de l'intérieur,
aspergeant Sophia de verre. Elle recule en titubant, se
protégeant le visage. La poussière et les débris pleuvent
autour d'elle.
Sophia se jette à terre, le pistolet heurtant le sol. Les
fragments de la lentille tombent au ralenti, leurs bords
accrochant la lumière de la lune, créant un rideau de lumière
chatoyant.
Un tesson tombe vers la main de Sophia, se posant avec un
doux tintement. Dans sa surface fracturée, un reflet apparaît
- non pas de la salle, mais du ciel étoilé au-delà.
En regardant à travers le tesson, Sophia voit le monde à
l'envers, l'observatoire familier transformé en un paysage
déformé. L'étoile unique qu'elle a alignée avec le télescope
palpite maintenant d'une lumière non naturelle.
SOPHIA
(murmurant)
Qu'ai-je fait ?
Un bourdonnement sourd emplit l'air et s'intensifie. Les murs
de l'observatoire semblent onduler, comme si la réalité elle
même se déformait.
L'observatoire, vu à travers le tesson, semble rétrécir vers
l'intérieur, sa forme s'effondrant dans l'étoile palpitante.
Sophia, toujours allongée sur le sol, regarde avec horreur la
pièce disparaître, remplacée par un tourbillon de lumière.
La scène s'appuie fortement sur le contraste ainsi que sur l'obscurité, créant ainsi un sentiment de suspense et de mystère. L'analepse met en évidence les motivations de Sophia et ajoute de la profondeur émotionnelle.
La scène utilise des gros plans pour souligner les émotions et des plans subjectifs pour refléter la subjectivité du personnage :
- Réfléchie dans sa pupille, une faible lumière tourbillonnante scintille dans les profondeurs du télescope.
- Les fragments de la lentille tombent au ralenti, leurs bords accrochant la lumière de la lune, créant un rideau de lumière chatoyant.
Le ralenti et les images déformées créent un sentiment de malaise et préfigurent la révélation à venir. Le cliquetis et le bourdonnement déformé ajoutent à la tension et conduisent au climax.
La fin de la scène est ouverte et laisse le lecteur/spectateur avec des questions et dans l'attente de la suite.
Le mouvement
Le mouvement dans une scène, qu'il s'agisse du mouvement des personnages ou des objets, ajoute une couche dynamique à la narration. Le mouvement peut être utilisé pour transmettre un large éventail d'informations, des intentions d'un personnage au passage du temps.
La façon dont les personnages se déplacent dans la scène peut nous en apprendre beaucoup sur eux. Sont-ils hésitants ou décidés ? S'attardent-ils dans certains espaces, suggérant un attachement ou une réticence ? Même la façon dont un personnage s'approche ou évite d'autres personnages peut révéler une dynamique relationnelle sans qu'aucun mot ne soit prononcé.
Le mouvement peut également être symbolique. Par exemple, le mouvement cyclique d'un ventilateur de plafond peut faire écho au sentiment d'un personnage d'être piégé dans une situation répétitive et inéluctable.
La direction du mouvement peut impliquer le progrès ou la régression, et la vitesse du mouvement peut refléter l'intensité des émotions ou le rythme du changement.
Les personnages
Le développement des personnages par le biais d'actions et de réactions est une composante essentielle de la narration visuelle, en particulier dans les récits où les dialogues sont rares ou limités. Cette méthode s'appuie sur la force inhérente au médium visuel pour transmettre des émotions humaines complexes, des motivations et des transformations à travers les actions physiques et expressives des personnages. Ici, chaque geste, regard et interaction est imprégné de signification, servant de dialogue non verbal qui en dit long sur la vie intérieure et les relations d'un personnage.
Les actions physiques peuvent révéler des traits de caractère, des émotions et des changements au fil du temps. La façon dont un personnage se déplace dans le monde - sa posture, la vitesse de ses mouvements, la façon dont il manipule les objets - peut nous renseigner sur son état d'esprit actuel, ses expériences passées et ses aspirations.
La façon dont un personnage marche ou s'assoit peut refléter son assurance, son anxiété ou son humeur. Par exemple, un personnage qui marche la tête baissée et les épaules affaissées peut exprimer la tristesse, la défaite ou l'introspection, tandis qu'une posture droite peut suggérer la confiance ou le défi. Les petits gestes peuvent avoir un poids narratif important. Un personnage qui s'agite nerveusement avec une bague peut indiquer un trouble intérieur ou une réticence à faire face à une vérité gênante. À l'inverse, une légère pression sur l'épaule d'un autre personnage peut être synonyme de réconfort, de connexion ou de soutien tacite.
Les interactions des personnages avec leur environnement et leurs réactions aux événements donnent un aperçu de leur personnalité et de leur état émotionnel. L'environnement peut agir comme une extension du personnage, son interaction révélant son histoire personnelle, son humeur ou les changements qu'il subit. La façon dont les personnages interagissent avec les objets peut être très révélatrice. Un personnage peut revenir sans cesse à un jouet ou à une photo d'enfance, ce qui suggère une certaine nostalgie ou un désir de renouer avec le passé.
La façon dont ils manipulent les objets avec douceur ou brutalité peut également refléter leurs sentiments à l'égard des personnes et des situations de leur vie. Les réactions des personnages aux événements qui les entourent peuvent révéler leur résistance, leur vulnérabilité et leurs valeurs. Par exemple, la réponse d'un personnage à une crise, qu'il l'affronte de front, qu'il se fige ou qu'il s'enfuie, peut montrer ses mécanismes d'adaptation, laissant entrevoir des couches psychologiques plus profondes et des antécédents.
En adoptant l'éthique de Carrière, le scénariste doit devenir un peintre, un poète du visuel, qui fait confiance au lecteur/spectateur pour ressentir, comprendre et interpréter le récit à travers le prisme de ses propres expériences. Cette approche ne remet pas seulement en question la narration conventionnelle, mais invite également à un engagement plus profond et plus personnel avec le film, car le lecteur/spectateur est obligé de regarder au-delà des apparences et de trouver un sens dans le silence, dans le regard, dans l'ombre.
En donnant la priorité aux images plutôt qu'aux mots, le récit devient un langage universel, transcendant les barrières culturelles et linguistiques, et connectant la lectrice et le lecteur à un niveau émotionnel primaire. C'est là, dans le non-dit et l'invisible, que le cinéma trouve sa voix la plus éloquente.